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M�sicaDiccionario

piano.

(De pianoforte); adv. de modo.

1. [Música] Con sonido suave y de poca intensidad: esta parte de la composición ha de tocarse muy piano.
2. (sust. m.) Instrumento musical de teclado y percusión compuesto por una caja sonora en la que se ordenan las cuerdas que, golpeadas por macillos conectados a las teclas, producen sonidos más o menos intensos según es mayor o menor la presión que se ejerce sobre éstas: compuso numerosas obras para piano y violín.

Sinónimos
Pianoforte, fortepiano, pianola, colín.

Modismos
Tocar el piano, o tocar el piano al revés. [En Cuba y Argentina] Hurtar, robar con habilidad digital.

(2) [Música] Piano

Piano.

Instrumento musical de tecla y cuerda percutida, considerado como uno de los más importantes a partir del último tercio del siglo XVIII. El primer piano fue creado hacia 1707 por Bartolomeo Cristofori (1665-1731). Su nombre se lo debe a su principal característica, consistente en poder controlar el volumen de la nota interpretada en función de la potencia con que se efectúe la pulsación (piano-forte). El piano se compone de 85 u 88 teclas que constituyen 7 octavas. Cada tecla acciona un martillo y un apagador que actúan sobre las 224 cuerdas agrupadas de tres en tres, salvo las más graves que son simples y entorchadas.

Antecedentes

A principios del siglo XVIII el instrumento más en boga era el clavecín. Los tres principales compositores del siglo, Häendel, Scarlatti y Bach, eran intérpretes de instrumentos de tecla y en particular de clavecín. En ciertas partes de Europa se prefería el clavicordio, que si bien no superaba al clavecín en potencia, seducía más por su mayor capacidad de expresión. Este punto lo deja bien sentado Carl Philip Emmanuel Bach en su ensayo de 1753, donde deja clara la inadaptación del clavecín a la música de su tiempo y aconseja el uso del clavicordio para aprender la buena ejecución. La diferencia básica entre ambos instrumentos estriba en la manera de ser pulsadas las cuerdas: mientras que en el clavecín las cuerdas son pinzadas por puntas de pluma de cuervo, en el clavicordio son golpeadas por pequeñas lengüetas de metal.

Los músicos de la época soñaban con un nuevo instrumento que tuviese la potencia del clavecín y el toque del clavicordio, un instrumento que pudiera responder a ejecuciones piano y forte, un instrumento capaz de lograr una gran polifonía y que fuese capaz de reproducir fragmentos ejecutados a enorme velocidad. En definitiva, el paso del Barroco al Clasicismo demandaba un nuevo instrumento.

Creación del piano

Si bien la creación del piano se le atribuye indiscutiblemente a Bartolomeo Cristofori, es necesario señalar que existen otros dos constructores que realizaron intentos y maquetas; Jean Marius y Christoph Gottlieb Schroter. A pesar de ello, y contrariamente a lo habitual en otros instrumentos, la creación del piano se debe a un solo hombre: Bartolomeo Cristofori (1665-1731). Éste, aunque natural de Padua, residía en Florencia y se ocupaba del mantenimiento de los clavicémbalos de Fernando de Médicis. El piano fue bautizado inicialmente con el nombre de Gravicembalo col piano e forte, aunque más tarde se abrevió a piano-forte y, finalmente, a piano. El mecanismo consistía en unos macillos de madera recubiertos de piel e incorporados a un sistema de escape del macillo. Las cuerdas vibraban mientras que la tecla estaba pulsada y dejaban de sonar al soltarla gracias a los apagadores. Para controlar el registro, existía un pedal que lograba que los macillos sólo golpearan una de las cuerdas, por lo que el sonido se oía más amortiguado. El pedal de resonancia, cuya función estriba en anular los apagadores, aparecería más tarde. Pilotín, escape, báscula, atrape y apagador en un solo elemento, es el principio que guía el mecanismo de los pianos modernos. En la actualidad se conservan tres pianos de Cristofori: uno se encuentra en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (1720), otro en el Museo Instrumenti Musicali de Roma y el tercero en el Musikinstrumenten Museum Karl Marx Universitat de Leipzig (1726).

Por desgracia, el piano tuvo una discreta acogida inicialmente. Las cuerdas se desafinaban y rompían con relativa facilidad y los interpretes no comprendían que el nuevo instrumento requería un tratamiento interpretativo muy diferente al de sus predecesores.

Evolución del instrumento

Fue el constructor de pianos alemán Gottfried Silberman (1683-1756) el que impulsó y difundió el piano por Europa central, consiguiendo que ocupara un lugar de importancia en el mundo musical. Este personaje rubicundo, apasionado y extravagante, a quien debemos los primeros pianos con una fabricación segura y bien terminada, era un protegido de Federico II de Prusia. Silberman coincidió con Johann Sebastian Bach en varias ocasiones, durante las cuales Bach le hizo observaciones que contribuirían al mejor desarrollo del instrumento. En la primera ocasión, Bach señaló la falta de sonoridad del instrumento en sus registros agudos y no se mostró muy partidario de aquel rudimentario piano, que fue destruido por Silberman. En su segundo encuentro la impresión fue mucho más favorable.

Es interesante la tendencia que hubo en Alemania a pasar por alto a Cristofori, al que se le llegó a acusar de robarle la idea a Silberman. Éste se guardó mucho de citar a Cristofori como precursor de la idea. Como resultado de ésta situación, la disputa por la paternidad del invento duró casi un siglo. A diferencia de Cristofori, Silberman tuvo discípulos continuadores de su obra, siendo los más destacados Zumpe, Stein y Friederici. Éstos difundieron el piano por toda Europa, ya que como consecuencia de la guerra de los siete años, la Casa Silberman tuvo que cerrar y sus doce trabajadores (los doce apóstoles) se exiliaron a diferentes países de Europa, siendo Londres el destino elegido por la mayoría de ellos. Friederici fue el inventor del piano vertical y del piano de mesa, aunque sus compañeros de exilio, principalmente Zumpe, lo mejorarían notablemente. Johannes Zumpe fundó en Londres una nueva casa de pianos, asociándose con el constructor suizo de clavecines Burkhart Tschudi. En 1767 Johann Christian Bach, el hijo más joven de Bach y a la sazón profesor titular de la reina, acompañó a una cantante con un piano Zumpe: este hecho fue el verdadero catalizador de la aceptación del piano entre los aficionados al clavecín. La cobertura que este acontecimiento tuvo en la prensa fue causante de un gran aumento en la popularidad de la marca Zumpe.

Entre el 1767 y 1772, John Broadvood, Stodart y Americus Backers, pusieron a punto lo que se conoce como la gran acción inglesa, mecánica que se impondrá en la fabricación a nivel mundial. Éstos consiguieron ganar potencia de ataque y, por lo tanto, velocidad y fuerza. La profundidad de la tecla de éstos pianos es muy grande, siendo preciso dejarla retornar completamente antes de volver a pulsar. En los primeros pianos, los apagadores eran accionados por botones hasta que Backers los suprimió en favor de los pedales. Este sistema fue adoptado por todo el mundo a principios del siglo XIX, época en la que todos los pianos tenían dos pedales: el pedal forte (de resonancia) y el pedal celeste, que atenuaba el ataque.

Sin duda, podemos hablar de una escuela de pianos vienesa y uno de sus grandes exponentes fue Stein. Johann Andreas Stein fundó su propia firma en Austria tras su fracaso en París y consiguió seducir a Mozart cuando éste visitó su taller el 17 de octubre de 1777. La mecánica que Stein impuso en sus pianos permite un control muy refinado de la pulsación que gustó mucho a los clavecinistas, llegando a tener el apelativo de mecánica vienesa. Otros grandes fabricantes vieneses fueron Walter, Konnicke, Müller, Schanz y Brodmann.

Debemos señalar la contribución a la evolución del piano de Sebastian Erard, que construyó en 1777 el primer pianoforte de factura francesa. Recibió, durante su exilio en Londres, la influencia de los fabricantes ingleses y diseñó numerosos sistemas que le valdrían la medalla de oro de la exposición de 1819.

Muzio Clementi (Roma 1752-Evesham 1832) es considerado por muchos como el padre del pianoforte. Durante su fructífera vida contribuyó al desarrollo del instrumento como instructor, compositor, intérprete, constructor y editor. Muy pocas figuras en la historia del piano han tenido tanta dedicación al instrumento en tan diversas disciplinas.

Entre 1810 y 1870 los nuevos pianistas pidieron, y sin demora, más potencia, ligereza, ataque y resonancia en los pianos. Los pianos ingleses eran de teclado muy pesado y los vieneses denotaban la falta de estabilidad en el centro del macillo. Era difícil para los músicos la adaptación a los diversos instrumentos, dada la gran falta de homogeneidad. Hasta entonces los fabricantes realizaban pianos con distintas extensiones, siendo John Broadwood el primero en construir un teclado de seis octavas de DO1 a DO6.

Jean Henri Pape tuvo, en 1826, la idea de cubrir los macillos del piano con fieltro duro en vez de piel, ganando así fuerza y precisión.

Se aumenta el número de cuerdas y, por lo tanto, la tensión en el marco. Como consecuencia de ello, los marcos debieron reforzarse. En 1820 se fundió el primer marco de hierro. Así, los piano se empiezan a homogeneizar en todos los aspectos.

Sebastian Erard introducirá mejoras sobre el escape de Cristofori, convirtiéndose éstas en la base de la técnica moderna del piano llamado doble escape. Erard consiguió una síntesis de la sensibilidad de pulsación vienesa y de la fuerza de acción inglesa. Gracias a sus avances, Erard consiguió la amistad de muchos pianistas importantes, como Franz Liszt, que le apoyó constantemente e hizo uso de sus pianos hasta el fin de su carrera.

Hacia 1830, con el piano ya completamente consolidado como instrumento, los fabricantes experimentaron una mutación en sus procesos y pasaron de ser simples talleres artesanos a constituir verdaderas industrias. Fue a partir de entonces cuando podemos empezar a hablar de industrialización y comercialización del pianoforte. En 1850 Pleyel produjo 2.100 pianos y en 1870 llegó a 47. 500, no muy por encima de su gran competidor Erard.

Puede decirse que los primeros patrocinadores de la historia económica moderna fueron los constructores de pianos. Éstos se dieron cuenta que la mejor manera de dar prestigio a sus marcas era que fueran utilizadas por los mejores interpretes; a cambio, los fabricantes les compensaban con instrumentos y rentas. Así, sabemos que Liszt y Thalberg eran proclives a Erard, que Mendelssohn tocaba un Irmler, John Field un Clementi, Chopin tocaba Erard y Pleyel...

Hacia 1850 el piano de cola se estabiliza. Así, los constructores norteamericanos, entre los que se encuentra Stenway, imponen su forma de hacer pianos con el chasis fundido en hierro y la tesitura de siete octavas de DO1 a DO7.

Entre 1850 y 1870 la producción mundial de pianos se multiplicó por diez. Corrían sin duda buenos tiempos para los fabricantes: en 1864 se conocían ya 450 marcas distintas sólo en Alemania, lo que trajo consigo un gran cambio en los estándares de calidad y en la manera de encarar el mercado. El piano se convirtió en un producto manufacturado de precio más módico en el que las piezas del mecanismo estaban normalizadas mientras que antaño era un producto de lujo, artesanal y con poca clientela. Se acabó la delicadeza de los exquisitos talleres ingleses y vieneses, imponiéndose la fuerza de Estados Unidos y Alemania. En particular, fue el piano Stenway el que ejerció la supremacía, gracias a su sonido cálido y equilibrado. Pero su reinado se vería amenazado por la aparición de los fabricantes japoneses a mediados del siglo XX. Las grandes marcas, Yamaha y Kawai, imitaban el diseño de los pianos americanos a la perfección, pero además conseguían costes de fabricación mucho más bajos. Todavía hoy, en los umbrales del siglo XXI, el predominio de los fabricantes nipones es absoluto, si bien los grandes interpretes se aferran a las marcas con más tradición.

Cuadro de Auguste Renoir "Mujer en el piano".

El piano en el Barroco

Juan Sebastian Bach (1685-1750) fue, sin duda, el compositor e intérprete que más huella dejó en los primeros pianistas. A pesar de ser organista, su influencia queda bien patente en la interpretación pianística de todas las épocas: sus métodos para teclado, como El clave bien temperado, continúan vigentes en nuestros días. Exprimió todos los recursos expresivos del Barroco y fue el maestro absoluto del contrapunto.

El piano en el Clasicismo

Durante ésta época, el piano comenzó a tener un tratamiento individualizado por parte de los compositores, empezándose a incluir anotaciones de dinámica y de pedales liberando a las composiciones de las influencias del clavecín y el clavicordio. El pianoforte permitió a aquella generación de compositores escribir una música polifónica y a la vez expresiva.

Uno de los grandes del clasicismo y, por extensión, de todos los tiempos, fue Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Su precoz genialidad ha aportado al piano gran número de técnicas y recursos. Sus tempi, dinámicas y rubato son moderados, aunque es insistente en la regularidad del tiempo. La mano izquierda es, pues, muy estricta. La pulsación ligera en los pasajes lentos es esencial: cada nota destacada secamente se superponía ligeramente a la siguiente, logrando así un legato natural.

Clementi fue el primer tratadista que escribió métodos para piano: Introducción al arte de tocar el pianoforte o Gradus ad Parnassum. Entre Mozart y Clementi existía una pugna por saber quién era más virtuoso. Mozart le descalificó en muchas ocasiones mofándose de su poco talento y tachándole de charlatán.

En escena se encontraba también uno de los más grandes pianistas y músicos: Ludwing Van Beethoven (1770-1827). Discípulo de Haydn, Beethoven impresionó por su capacidad de improvisación. Su manera de desarrollar los temas contrastaba con los otros músicos, que se limitan a variar sobre ellos. De manera similar a lo que ocurría con Clementi y Mozart, existió una cierta rivalidad entre Beethoven y Hummel. Ambos contaban con detractores que tachaban al primero de rudo y al segundo de amanerado. Beethoven reconoció que poseía una pulsación dura y a veces pesada, yendo más allá de la ligereza y suavidad mozartianas pese a que aportaba grandes dosis de inquietud: era lo inaudito, lo imprevisto y lo sombrío. Es conocido por todos los intérpretes que cuando tocaba el piano no se adaptaba a él sino todo lo contrario: se peleaba contra este instrumento, imprimiendo esa pasión y fuerza que le caracterizó.

Las conquistas del piano se utilizaron en su totalidad, de ahí que la mano izquierda, que hasta ese momento se había utilizado de forma limitada acompañando el canto de la mano derecha, tomase entonces un papel de igualdad. Las dos manos o se encontraban en registros extremadamente opuestos o bien estaban imbricadas en figuraciones solidarias, circulando por toda la extensión del teclado.

Un apartado muy importante a comentar es que el concierto cambió de orientación con la visión beethoveniana: quedaba inaugurada la era del enfrentamiento del solista con la masa orquestal, siendo ésta la que marcará toda la composición de éste género a lo largo de todo el siglo XIX.

El romanticismo

Los más celebres músicos de ésta época, desde una visión pianística, son Schubert, Mendelssohn, Schumann, Chopin y Liszt.

Franz Peter Schubert 1797-1828) es un compositor romántico que conservaba vestigios del clasicismo. Su obra completa para piano es multiforme, revelándonos nuevos caminos en la composición. En el transcurso de su vida compuso canciones, valses, polonesas, escocesas y lieder, género éste del que se le considera el padre. Destaca mucho la originalidad de las partes de piano que escribe para éstos, aunque la obra de Schubert no cobró importancia hasta cuarenta años después de su muerte.

Mientras tanto, Felix Mendelssohn (1809-1847) era un verdadero improvisador. Como pianista era famoso por la claridad de su sonoridad y por su gran maestría en el staccato. A él le debemos el redescubrimiento de Bach y la redifusión de su obra. Su música era elegante, encantadora y creada para agradar. En sus obras de cámara brilla la sutileza de la instrumentación. Como pianista fue elegante y técnico, pero no innovador.

Robert Shumann (1810-1856) cuenta con un gran legado de obras para piano, entre las que se encuentran tríos, quintetos, concertos y canciones líricas. Sus obras a menudo son inspiradas por textos literarios y estados de ánimo. En sus lieder amplió la función del piano y el diálogo de colores con la línea vocal es constante; en ocasiones se decía que estos acompañamientos eran verdaderas piezas para piano.

Frederic François Chopin (1810-1849) es conocido por ser un compositor dedicado al piano. Fue siempre considerado un conservador aferrado a lo antiguo y no alcanzó gran popularidad debido, en parte, a los poquísimos conciertos que dio a lo largo de su carrera. Chopin estuvo impregnado a la vez de las influencias de Mozart y Paganini, con lo que nacieron nuevas formas musicales, como estudios, baladas, polonesas, nocturnos o mazurcas. Nunca antes se había logrado tal definición del grado de resonancia. Los diseños escritos en divisiones impares manifiestan la voluntad de anotar, casi con perfección, el flujo rítmico. Se deleitaba con el juego de pedales, con una nueva concepción en relación entre las dos manos. El piano, gracias a él y sus técnicas, amplió considerablemente su campo expresivo.

Franz Liszt (1811-1886) es considerado por muchos el gran virtuoso del piano de todos los tiempos. Contrariamente a Chopin, disfrutó de gran popularidad y de las más numerosas audiencias del momento. Gran innovador, arriesgó como creador usando nuevos acordes complejos y diversas técnicas de improvisación revolucionarias. Liszt fue el primer intérprete de la historia en dar un recital de piano solo, sin partitura, hecho ocurrido en Londres (1840). Transcribía cualquier cosa al piano, siendo divulgador de una gran cantidad de música que sin él nunca hubiera sido oída. Liszt sintetizó los hallazgos de Chopin y Schumann proyectándolos a un sueño futurista; no hay inteligencia pianística comparable a la suya. A Liszt se debe la carrera moderna de pianista de concierto, siendo, por tanto, el padre de todos los pianistas-concertistas actuales.

Frederic Chopin Nocturno nº 1

Frederic Chopin Nocturno nº 2

Franz Liszt Rapsodia húngara nº 2.

El Piano moderno

Se considera a Claude Debussy (1862-1918) como el precursor del piano moderno, del que fue, sin duda, el absoluto innovador que liberó al piano de toda norma y estructura armónica establecida. Entre 1902 y 1910 consagró su carrera a la composición para el piano, siendo notables sus obras Concierto para la mano izquierda, Estampas y Cinco poemas de Baudelaire.

Bela Bartok (1881-1945) fue un gran explorador de las posibilidades percusivas del piano. Sin duda, Liszt fue uno de las grandes influencias de su música. De hecho, incluía obras de éste en su repertorio. Su obra Mikrokosmos se considera la más progresista desde las Invenciones de J. S. Bach. Exploró también, con gran profusión, la música folklórica húngara y como consecuencia de ello se editaron doce volúmenes, conteniendo miles de canciones rumanas, turcas y magiares. Es muy destacable la revolucionaria utilización de la escala cromática que Bartok imprimió a sus obras.

Otro gran heredero de la música percusiva fue Igor Stravinski (1882-1971): nadie ha ido más lejos en el staccato de acordes. La sonoridad del piano de Stravinski era orquestal y fue muy imitada por los compositores de bandas sonoras de Hollywood. Su estilo como pianista recibió gran influencia de la emergente música de jazz, como se puede comprobar en sus Rag-time y Rag-music. En los últimos años de su vida, ya afincado en América, compuso obras por encargo de discutible valor artístico. A pesar de ello, su concepto de la sonoridad le hace ser recordado como una de las figuras más influyentes de la música del siglo XX.

Otros grandes pianistas y compositores de la era moderna son Ravel, Rubinstein y Gershwin. En los últimos años del siglo XX, la figura del intérprete-concertista se disocia del compositor y éstos aíslan en gran medida sus roles, lo que favorece el virtuosismo.

Claude Debussy "Claro de Luna".

El piano en el jazz

El piano cumple un papel fundamental en la música jazz, debido a que una gran parte de los músicos compatibilizan su instrumento con el piano. Éstos utilizan el primero como herramienta para interpretar y el segundo para componer.

La unidad entre pianista-compositor-director tan popular en el jazz alcanzó su paradigma con Duke Ellington. Una de las principales características de su música es la fusión que consigue incorporando armonías de blues a sus composiciones.

El piano lo utilizan los músicos de blues como imitador de inflexiones vocales. Aparece en estilos paralelos en los que el piano es parte fundamental, como el Boogie-Woogie y el Ragtime. En el ragtime es particularmente destacado el brillo del piano: uno de los más prolíficos compositores de ragtime fue Scott Joplin.

Entre los grandes pianistas de jazz nacidos a principios de siglo destacan tres: Art Tatum, Fats Waller y Earl Hines. Han ampliado, cada uno a su manera, la visión del piano en el jazz, revelando su sonoridad orquestal.

A partir de los cincuenta, el lenguaje armónico y rítmico del jazz evolucionó de manera radical. Los grandes exponentes de ésta época son Errol Garner, Bud Powell y Thelonius Monk.

Los años sesenta son, tanto en el jazz como en la música orquestal, los años de la experimentación. Comienza también a dominar la percusión, especialmente por su referencia africana; en éste periodo aparecen Mcoy Tyner y Herbie Hankcock, además de otros que desarrollan su creatividad a lo largo de los setenta, ochenta y noventa, como Chick Corea y Keith Jarret.

El piano en el jazz.

El piano en la actualidad

Tras este repaso por la historia, evolución músical e intérpretes de este instrumento, sólo nos queda hacer una reseña a la posición que el piano ocupa en la música de fin de siglo. En la actualidad, el piano es el instrumento aceptado como básico para el aprendizaje de la música. A pesar de que su papel en la música culta no ha perdido ninguna relevancia, está completamente adaptado a los más diversos estilos musicales. Encontraremos acompañamientos de piano en las más banales canciones pop y lo hallaremos también en un recital de bel canto. Distinguiremos las notas de piano en muchos discos de rock adulto y en las obras de los compositores de nuevas músicas. No está ausente en las músicas calientes de América del sur ni tampoco en el reciente nuevo flamenco. En definitiva, el piano ha roto todas las barreras y ha sido el instrumento más versátil y difundido de todos los tiempos.

Erik Satie Gymnopedie 1.

Autor

  • Anabel dicc.

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